Mes: enero 2013

PABLO REINOSO (1955) /

pab Parece como si hubiéramos dejado atrás, ocultándolos, los filamentos que desde un lado opaco se hacen presentes ahora para testimoniar que ellos ya no son invisibles, que son las raíces de las cosas, las que se mueven y después ayudan a estructurar y continuar la función y el medio.

En la cabeza del argentino REINOSO han germinado estos cordones umbilicales, a los que les ha dotado de la plasticidad necesaria para materializarlos tanto en lo que pueden ser orígenes como prolongaciones. Casi pensaríamos que el objeto conformado según ciertas reglas y procedimientos no es la verdad, ésa es simplemente la utilitaria, la auténtica es la que se derrama en hebras, hilos, sedales, fibras que buscan la luz y la vida.
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En sus planteamientos configurativos y formales hay aquellos alardes organicistas del modernismo que se extendían, eso sí, más reposada y circularmente, y cuyo propósito era otro esquema de hábitat que iluminase las vivencias de aquellos que convivían en su compañía.
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Había en mi mirada una angustia de pájaros heridos en la tarde más dorada de otoño,
y mi dolor crecía lo mismo que una sombra apoyada en mi hombro
o como una alta cima nacida en mi costado.
(Ildefonso M.Gil).

ANA MARÍA / EN EL CIELO NO HAY DERROTAS

ana mar A la pintura no hay que exigirle una representación locuaz y única, que desborde y derroche en todas sus epifanías. Lo que es coherente es que refleje una visión múltiple desde perspectivas aguzadas hasta abordar formas que no lo parecen o solamente se conjugan consigo mismas.
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En lo que se refiere a la obra de la portuguesa ANA MARÍA, el proceso de realización es minucioso y meticuloso, los espacios se agrandan conforme se vierten los fragmentos de una narratividad que parte de opciones de distintos parámetros.
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No son rompecabezas cuyos jeroglíficos estén señalados de antemano y predeterminados, pero de tratarse de un puzzle, los enigmas maravillosamente dibujados y con una gradación cromática que es su refugio poético, son páginas abiertas de un mapamundi de historias y seres errantes, que pueblan la mirada de nuestras ansias de una fantasía que estaba harta de sed.
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Vestigio grave soy de una congoja,
del ir y volver ciego de mi canto
llegado hasta la luz desde la nada.
(Enrique Azcoaga).

JESÚS MAX (1961) / NO ADIVINAN DE LO QUE SOY CAPAZ

jes El español MAX, residente en Los Ángeles, hace, en su obra, un ejercicio de estilo, con la habilidad de un predigistador de imágenes que a través del lenguaje cromático excitan un mensaje jugoso de significados que son el canto de lo impredecible aunque sí factible.

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Juega sobre el significante con un proceso que tiene una única determinación: que no se le vaya por un resquicio o un fragmento que no esté sopesado y en asociación con un resultado que acabe compacto, pero en un hallazgo ni siquiera intuido.
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Las modulaciones del colorido, la luz, la figuración reciben un tratamiento compacto, coherente y que lleva la firma de un sistema en el que el código de signos está para sacarlo de su dolencia y fijarlo en multitud de trastadas que causan el escepticismo del pavor festejado.
Jesus Max Time Warp 2012 Cierto que no rompe hábitos, pero sí que son otros hábitos que nos producen otras secuencias sensoriales en las carencias de nuestras existencias.
Pero ahora recuerda, solamente recuerda.
Sea tu compasión, sin llanto y sin reproche
y sea, sobre todo, sin magisterio vano.
No clames tu experiencia.
Es tiempo de silencio y destreza piadosa.
(Gabriel Celaya).

DAVID OLIVEIRA (1980) / EL ALAMBRE NO CONFINA

dav2 El alambre es un elemento que al hacerse cuerpo, moldearse en ser, ya es orgánico y está vivo. Es el reflejo de un ente que somos nosotros, espectadores, o es la forma con la que nos convertimos en fantasmas alegóricos.
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Incluso el portugués OLIVEIRA es capaz de ponerlo en movimiento, de hacer que su creación tenga la capacidad de sorprendernos en esas escenas de persecución o con esa piedad de la que sólo se ven las venas, contornos de su propia naturaleza transparente.
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Mediante un material de connotaciones serviles, despreciables, ominosas (alambradas de muerte y confinamiento, de destrucción y exterminio), construye una visión del arte, una epifanía ascética, orante, de silencios en espacios que se han sometido a su simbolismo.
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Había, sí, dolor punzante e ira sagrada
y también confusión, perplejidad y horror,
pero eran como pasmos que injertaban misterio
y espuelas que incitaban al asalto a una potencia perseverante.
(Dionisio Ridruejo).

JOSÉ PARLÁ (1973) / EN LAS CALLES HAY RETOZOS

joseparla_electropositive A propósito de la obra del americano PARLÁ, es pertinente y un capricho la cita de Raymonde Moulin respecto que la oposición entre abstracción y figuración fue y es una dialéctica presente a lo largo de todo el siglo XX y comienzos del XXI, y uno de los motores de los movimientos estéticos.
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En este caso, el artista, con gran predilección por el muralismo, concibe su trabajo como una lluvia caligráfica y multicolor que envuelve la mirada como si estuviese ante la presencia de una piel infinita.
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A esas superficies quedan adheridas las propiedades y cualidades plásticas intrínsecas a unas firmas de identidad que se agolpan para hacer más vivo y gestual el hecho de vivir. Paredes cuya condición es reflejar esas cadencias y secuencias del anónimo que pasa y desaparece sin ser visto ni oido.
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Por tanto, tales arabescos y texturas son sintonías que quedan grabadas como inscripciones extractadas de los pequeños sucesos que nos dan la trama de unas existencias malparadas, concisas y apremiadas.
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Tales son los oficios. Tales son las materias.
Tales son las dos manos del hombre, no entre abstracto.
Tales son las humildes tareas que precisan
la empresa prometeica.
(Gabriel Celaya).

FOLKERT DE JONG (1972) / AL ATAQUE

OLYMPUS DIGITAL CAMERA Estas obras del holandés DE JONG nos vienen bien para ilustrar un debate como es el que, por una parte, abría John Berger al afirmar que lo que separa el arte característico del siglo XX -al que hay que añadir el de los inicios del XXI- del arte de todos los siglos anteriores es su aceptación de la sinrazón, su desesperación social, su extremo subjetivismo y su dependencia forzosa de la experiencia existencial.
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Pero el enfoque de Hans Arp disentía por cuanto el Renacimiento enseñaba a los hombres la exaltación activa de la razón. Los tiempos modernos, con su ciencia y su tecnología, han vuelto al hombre megalómano. La confusión de nuestra época es el resultado de esta sobreestimación de la razón.
Estas instalaciones están en medio de esta controversia y hasta pueden darle la razón/sinrazón a las dos, pero con un sentido festivo, irónico, que parece el idóneo -no sin cierta justificación- para ensalzar lo ridículo de nuestra condición humana. Hasta parecen pasteles o tartas listos para engullir antes de que denuncien nuestras tendencias depredadoras de seres sin más esperanza que los demonios del fin solazado en un cementerio de rutinas.
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Como blancas corderas yuguladas por los primeros lirios,
las nubes se rindieron.Los arroyos retiraron sus aguas
y los peces se abrieron los vientres en el filo de las piedras.
(Victoriano Cremer).

GARY HUME (1962) / ¿DE QUÉ VA ESTE ASUNTO?

gary_hume_cerith Nos están contando una historia que no tiene lugar más que en unas bambalinas. Los colores, el dibujo, las líneas, los arabescos son fenómenos plásticos que explicitan la evocación y un cálido aliento.
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El tratamiento pictórico para un joven artista británico como HUME consiste en una representación en un formato muy diseñado que discurre sobre un acoplamiento entre imágenes y su reflejo, capaz de determinar cómo ha de verse hoy lo que tenía el ayer perfilado.
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Todo su propósito es componer lo que la mirada necesita actualmente, atraerla con su resplandor, no dejar que se inhiba en el conocimiento y observación de estos hallazgos que vierten una realidad idealizada colgando de un telón.
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Y te mataron, sí. Fue por la espalda.
Tu hermoso cuerpo de cristal y roca,
tembló en el aire azul de la mañana.
(Victoriano Cremer).